저자: 컬렉션: "극장의 비밀에 대한 침투. 2007~2008년 연극 시즌의 "연극-교육" 프로젝트 결과." – N. Novgorod: 인쇄소 Papyrus LLC, 2008. – 52 p. 예술 방법은 매우 다양하지만 항상 시각적 표현 언어의 사용과 창의성에 대한 직접적인 인간 참여를 포함합니다. 우리 학교에서는 지능 발달과 전체적인 사고, 직관 및 상상력 발달 사이의 균형이 깨진 것으로 알려져 있습니다. 개인의 지적 구성 요소 개발에 대한 이러한 우세는 중등 전문 및 고등 교육 기관에서도 계속됩니다. 조화로운 성격을 만들기 위해서는 두 요소가 동등하게 발전하고 서로를 지원하는 것이 필요합니다. 예술 방법은 어린이, 청소년, 젊은 남성 및 여성과 함께 작업할 때 분명한 이점이 있습니다. 사용 금기 사항에 대한 제한이 거의 없으며 자유로운 자기 표현과 자기 지식의 수단이며 개인의 창의적 잠재력을 동원합니다. 예술 방법을 사용하는 작업은 음악, 드라마, 동작, 춤, 시각 예술 및 기타 형태의 인간 창작 활동을 사용할 수 있습니다. 이를 사용하면 개인의 감각, 운동, 인지 구성 요소를 통합할 가능성은 물론 삶에 대한 예술적 태도를 가질 수 있는 능력도 크게 향상됩니다[6]. 물론 학교에도 미술, 음악, 체육 수업이 있지만 그 수가 미미하다. 중등 전문 교육 기관 및 고등 교육 기관에서는 전체적인 사고 개발을 목표로 하는 과목 수는 교육 기관의 프로필에 따라 다릅니다. 미적 활동의 좋은 발전을 위해, 즉 외부 세계를 만나고 상호 작용하고 그로부터 새로운 것을 얻는 개인적인 능력은 교육 활동에만 국한되지 않고 추가 자원을 사용하는 것이 필요합니다. 예를 들어 창의적인 클럽, 스포츠 섹션, 미술 전시회, 음악 콘서트 및 연극 공연을 방문합니다. 이 기사에서는 어린이와 청소년의 미적 활동 발달에 대한 연극의 영향에 중점을 둘 것입니다. 극장은 교육에서 큰 역할을 합니다. Nizhny Novgorod Theatre for Young Spectators의 전 이사인 Golovleva Nina Ivanovna는 잡지 "Theater Binculars"(2002년 6월)와의 인터뷰에서 오늘 간단하지만 여전히 관련성이 있는 문구를 말했습니다. 선함을보아야합니다”[5]. Ostrogorsky는 "미적 교육에 관한 편지"에서 다음과 같이 지적했습니다. "... 감정과 상상력이 궁극적으로 사람의 성격을 결정하기 때문에 감정과 상상력을 동시에 배양하는 것이 필요합니다." 연극이 젊은이들에게 미치는 긍정적인 영향, 특히 "공연 예술이 목표가 아니라 수단이자 교육적 목표인 고전 언어, 고전 문학"이라는 교육 공연의 이점에 대해 A.N. Ostrovsky. L.N. 톨스토이는 "깊고 영원한 내용을 담고 있는 연극"을 개작하고, 수집하고, 번역한다면 연극은 "사람들 사이에 빛을 퍼뜨리는 도구"가 될 수 있다고 믿었습니다. [9] 텔레비전이 정당하게 자랑스러워했던 러시아 문화의 기초를 형성하는 모든 것을 즉시 폐기했다면 극장은 혁명을 서두르지 않습니다. 그들은 진화의 길을 선호합니다. “극장에서 상연되는 공연은 세상에 대한 관념의 기초를 형성하는 가치를 뒤집지 않으며, 도덕에 대한 전통적인 관념을 머리 위로 돌리지도 않습니다. 그들은 예술의 높은 목적을 달성합니다. 유명한 상트 페테르부르크 극작가 L. Razumovskaya는 사람을 창조적 인 삶, 아름답고, 최고로 깨우는 것, 예술과 연극은 사람을 키우기 위해 고안되었다고 말합니다. 더 밝은 세계, 감정 및 생각에 대한 동물의 수준"[5]. Big Explanatory Dictionary에 따르면 "예술은 현실을 예술적 이미지로 창의적으로 재현하는 것입니다.예술 활동뿐만 아니라 물질적, 정신적 가치를 창출하기 위한 기술 및 방법의 고유한 시스템을 갖춘 예술 활동의 한 분야입니다.” 예술은 현실을 미학적으로 지배하고 현실에 대한 평가는 특정 미학적 이상에서 진행됩니다. 예술이 무엇인지 묻는 질문에 Faina Ranevskaya는 이렇게 대답했습니다. “이것은 "신으로부터 온 것"입니다. 인간에 대한 사랑이라는 위대한 사상을 담고 있어야 합니다.”[8] 예술이 인간의 미적 활동 발전에 그토록 강력한 영향을 미치는 이유는 무엇입니까? 예술에는 특별한 의사소통 언어가 있습니다. 이것은 예술 작품의 작가가 세상에 전하는 일종의 상징적 메시지이며, 예술 작품의 장르와 스타일, 은유 언어, 신체 표현입니다. 예술의 메시지는 예술가, 감독, 작곡가가 관객에게 보내는 메시지가 응축된 형태이다[6]. 예술은 경험, 사람의 내면 세계의 대상, 그에게 일어나는 일에 대한 은유 등 인간 주관성의 영역에 중점을 둡니다. Fyodor Chaliapin은 극장 방문에 대한 첫인상을 이렇게 말했습니다. “... 특히 그들 (배우들)이 한 말에 매료되었습니다. 그리고 단어 자체가 아니라... 나를 유혹한 것은 이 사람들이 단어로 구성한 흥미롭고 특별한 문구였습니다. 문구는 일종의 인간 생각을 반영했습니다. 새로운 인간 감정의 음표는 놀랍게 들렸습니다. 가장 놀라운 점은 익숙한 단어가 낯선 향기를 풍긴다는 것입니다.”[10] 이 설명은 느낌 덕분에 명확하게 보여줍니다. 감각과 감정에 몰입함으로써, 익숙하고 평범해 보였던 것에서 새롭고 흥미로운 것을 발견할 수 있습니다. 예술은 일상의 삶과는 다른 시공간적 특성을 가지고 있습니다. 예를 들어, 공연 중에는 시간이 압축됩니다. 몇 시간 만에 오랜 삶의 경험을 다르게 살 수 있습니다. 혹은 몇 분의 침묵이 길어지거나 매우 길게 느껴질 수도 있다. 물론 이 모든 것은 평범한 삶의 경험 속에 존재하지만 오직 예술만이 이에 의도적으로 접근한다. 공연 공간도 연극이 진행되는 방과 동일하지 않습니다. 풍경에 따라, 연극 자체의 전개 방식에 따라, 배우들의 연기에 따라 이 공간은 '숨 쉴 수 없을 만큼 비좁은 헛간'이 될 수도 있고, '방이 많은 집'이 될 수도 있고, 전 세계 [4]. 외부 현실과 관련된 개인의 위치, 즉 변화의 위치입니다. 창의성의 극성은 이러한 현실에 대한 적응(대응)입니다. D.V. Winnicott(2002)는 “삶에 대한 두 가지 대안(창의성과 외부)은 절대적으로 서로 반대됩니다”라고 썼습니다. “문화적 경험이 있는 곳은 개인과 환경 사이의 가능성의 공간입니다. 문화적 경험은 놀이를 통해 처음으로 드러나는 창의적인 존재에서 시작됩니다.”[7] 예술 자체는 삶이 제공하지 않는 선택을 우리에게 제공합니다. 즉, 사용할 수 있는 가능성, 경험할 수 있는 감정, 개인화될 이벤트의 광범위한 영역을 다루고 있습니다. 주변 현실을 매번 다른 방식으로 다시 재현합니다 [6]. 예술인은 생생한 감각에 순종하고 놀다가 자신의 꿈을 받아들이고 비판적 의식을 사용하여 행동합니다. 그는 자발적으로 현실의 객관적인 형태를 창조합니다. 아이들의 경우도 마찬가지입니다. 에너지가 자연스럽게 흐르도록하는 것은 그들의 생생한 감각입니다. 그리고 매력적인 발명품을 만들어 보세요. 따라서 청소년들과 함께 일할 때에는 놀이능력을 회복하는 것이 매우 중요하다. 이런 점에서는 연극 연기에 의존하는 것이 매우 도움이 될 수 있습니다. D.V. Winnicott은 “놀이는 보편적이며 건강의 신호이며 놀이는 성장을 촉진하고 그룹 관계에 참여하며 의사소통의 한 형태가 될 수 있습니다”라고 썼습니다[2]. 네덜란드 문화학자 J. Heisigi는 “게임은 문화적, 역사적 보편물이다. 놀이는 언제나 자연스럽고 사심이 없는 활동이며 그 자체로 즐겁습니다.그 자체이며 어떤 목적과도 독립적입니다. 모든 문화적 창의성은 게임이다.” 놀이는 언제나 창의적인 경험입니다. 그것은 내부 세계에 위치하지 않지만 외부 세계에도 위치하지 않습니다. 게임의 장소는 사람들 사이의 공간에 있습니다. 독일 철학자 E. Fink는 놀이가 동물 세계의 특징이 아닌 인간 활동을 실현하는 가장 중요한 방법이라고 생각합니다. 연극 예술을 통해 사람은 자신의 다양한 측면을 표현하고 자신의 특성을 실현할 수 있습니다. 이는 예를 들어 청소년기에 자신의 정체성에 매우 중요합니다. 우리가 내면 세계를 여행하면서 우리의 진실성을 발견할 때, 우리는 외부 세계와의 연결성을 발견하고 이 세상에서 우리 자신을 어떻게 나타낼 수 있는지 발견합니다. 놀이는 자유로움을 느끼게 하며 질문에 대한 "올바른 답을 아는 것"과 정반대입니다. E. Fink는 "환상의 기초가 있는 놀이에서 사람은 높은 영적 잠재력을 깨닫는다"고 썼습니다. 둘째, 놀이를 하는 아이들은 게임에 용해되면 자아를 잃게 되며, 이는 다른 사람(내가 연기하는)과의 친밀감 경험과 고립(내가 놀고 있는) 경험을 동시에 얻을 수 있게 해준다[2]. F. Chaliapin: “Yashka의 영향으로 생각이 끈질기게 나에게 들어왔습니다. 갑자기 잠시 동안 내가 아닌 것이 좋다!.. 나는 Yashka를 연기했고 잠시 동안 내가 내가 아니라는 것을 느꼈습니다. 그리고 달콤했어요." [10] 게임 자체는 내부 현실과 외부 현실을 연결하는 수단이며, 이러한 현실 사이의 경계는 투과성이 있게 됩니다. 노는 아이의 경우 모든 세부 사항이 창의력으로 가득 차고 모든 것을 발견자로 간주하며 놀이 공간은 아이의 창의적인 상상력의 산물로 가득 차 있습니다 [3]. 우리의 의견으로는 모든 창의성은 "전염성"이 있을 수 있습니다. 창의성은 달성되거나 완성되는 것이 아니라 끊임없이 움직이고 발전하는 것입니다. 이 움직임의 속도는 사람마다 다를 수 있고 발전의 경로도 다를 수 있지만 창의성은 항상 흥미로운 행동이며, 한 단계씩 변화를 겪는 삶입니다. 예를 들어, "이런 일이 어떻게 일어나는 걸까요?"라는 질문을 통해 연극 제작에 대한 사람의 인식이 이루어집니다. “이게 뭐지?”라는 질문 대신, 이는 당신의 삶에 “예술적 차원”을 구축하는 것을 가능하게 합니다. 니즈니노브고로드 학술 드라마 극장의 디렉터인 Vladimir Kulagin은 "극장은 흥미로워야 합니다"라고 말했습니다. 분노, 기쁨, 슬픔, 두려움, 엑스터시, 재미, 고통의 감정은 우리가 진실성과 개인적 성장을 달성하기 위해 통과할 수 있는 터널을 나타냅니다. 우리의 감정과 감정은 강력한 에너지원입니다. 이 에너지는 창의적 활동으로 전환되어 실현되고 변형될 수 있습니다. 삶에 대한 그러한 의식적인 미학적 태도(실제로 뿌리를 두고 있음)는 연극 무대에서 일어나는 모든 일이 등장인물들 사이에서 일어나는 것과 같은 방식으로 더욱 강화될 수 있는 놀이 능력의 발달을 가능하게 합니다. 관객은 관찰하고 공감할 뿐입니다. 관객은 공연의 액션이나 캐릭터의 삶에 대해 어떻게 느끼나요? 배우가 무대 위 '영웅'의 모습으로 시청자 앞에 등장하자마자 배우 자신이 깊이 느꼈다면 시청자는 확실히 그의 캐릭터를 느낄 것입니다. 무대의 이미지는 관객을 납득시키는 만큼 진실되고 좋은 것이다. 상상력은 역할에 생명력과 내용을 부여합니다 [1]. F. Chaliapin은 “배우의 상상력은 작가의 상상력과 접촉해야 하며 캐릭터의 조형적 존재에 대한 본질적인 메모를 포착해야 합니다.”라고 F. Chaliapin은 썼습니다. 작가가 아무리 인물을 잘 그려도 항상 시각적으로 모호한 상태로 남게 됩니다. 아무리 뛰어난 언어 예술가라도 얼굴을 조형적이고 객관적으로 그릴 수 없고, 목소리를 전달할 수도 없고, 사람의 모습이나 걸음걸이를 묘사할 수도 없습니다. “가장 위대한 예술가 레오 톨스토이는 무엇을 하는가? 하지만 재능 있는 10명의 예술가가 L.N. 톨스토이-서로 완전히 다른 10 개의 초상화가 나올 것입니다.그들 각각은 어떤 면에서 카레니나의 합성 이미지에 가깝습니다. 그러나 여배우가 안나 카레니나 역을 맡게 된다면 안나의 외부 무대 이미지는 우리가 톨스토이의 소설에서 그녀에 대해 받은 일반적인 인상과 어떤 식으로든 모순되지 않아야 합니다.”라고 F. Chaliapin은 썼습니다. 배우의 새로운 역할은 각각 알려지지 않은 것이며 풀어야 할 미스터리입니다. 자서전에서 Chaliapin은 배우의 외모와 캐릭터 이미지 사이의 일치에 대해 계속해서 설명합니다. “외부 이미지는 가능한 한 많은 캐릭터 특성과 조화를 이루고 이러한 특성을 시청자에게 더 눈에 띄고 설득력있게 만드는 것이 필요합니다. 여배우의 외적 이미지가 소설 속 이미지와 더 완벽하게 합쳐 질수록 더욱 완벽해질 것입니다. ... 외모란 얼굴 화장, 머리 색깔뿐만 아니라 걷고, 듣고, 말하고, 웃고, 우는 등 캐릭터의 존재 방식을 의미합니다. 이를 달성하는 방법은 무엇입니까?... 예술적 창의성의 가장 중요한 도구 중 하나인 상상력이 발휘되는 곳입니다. 상상한다는 것은 갑자기 본다는 뜻이다. 똑똑하게, 진실하게, 잘 보세요. 외부 이미지 전체, 그리고 특징적인 세부 사항. 그러기 위해서는 캐릭터의 성격과 주요 속성을 확실하고 확실하게 알아야 합니다.”[10] 가장 중요한 것은 사람이 자신의 실제 경험을 끊임없이 인식하는 경험입니다. 사람의 내면과 외부 세계를 연결하는 다리이자 창의적이고 건강한 의사소통의 촉매제가 되는 것은 상상력과 직관의 발달입니다. 연극예술을 통해 청소년의 미적 활동을 발전시키는 문제를 해결하는 것은 모든 사람에게 천부적인 창의력을 갖고 있으며, 연극 연출가들은 이를 다르게 보고 해결합니다. “오늘날 극장의 강력한 상대는 비디오 및 스테레오 시스템을 갖춘 편안한 아파트, 홈 시어터입니다. 사람을 꺼내기가 엄청나게 어려운 아파트입니다.”라고 러시아 인민 예술가 코미디 극장의 수석 디렉터인 S.E. - 오늘날 극장에 대한 요구 사항이 변경되었습니다. 관객을 교육할 필요가 없고 감동을 주어야 합니다. 즐겁게 하다. 꾀다. 그러나 극장이 관객과의 관계에서 항상 실패하는 것은 아니다. 때로는 관객 역시 실패한다. 무대에서 보는 것을 이해하고 감상할 수 없을 때. 그래서 우리는 모두 끊임없이 시험을 치르고 있습니다.” 니즈니 노브고로드 주립 학술 드라마 극장 L.S. Belyavsky는 잡지 "Theater Binculars"와의 인터뷰에서 오늘날 시청자가 요구하는 장르가 무엇인지 묻는 질문에 다음과 같이 대답합니다. “광범위한 시청자와 연극이라는 두 가지 유형의 시청자가 있습니다. 예를 들어, 연극 "세 동지"(E.M. Remarque의 소설을 바탕으로 A. Getman이 연출)에서 극장 관객은 "아직 사랑이 가능한 절망의 시대"의 메아리를 포착하고 일반 관객은 세 친구의 흥미로운 이야기.” 니즈니 노브고로드 주립 학술 드라마 극장 V. Kulagin의 감독은 인터뷰에서 다음과 같이 회상합니다. “아이돌의 시대가 지나간 것은 유감입니다. 우리 극장에서는 이제 막 무대에 첫발을 내딛는 젊은 배우들이 동료들과 관객들에게 사랑받을 수 있는 상황을 만들기 위해 노력하고 있다. 그래서 관객들은 배우들이 하는 일에 푹 빠져 이들 “그들의” 예술가들을 보기 위해 극장으로 갑니다. 놀랍게도 우리는 할 수 있습니다.”[5] 이 글의 결론에서 나는 개인의 성격을 조화시키기 위해 전체적인 사고, 직관 및 상상력을 개발해야 할 필요성으로 돌아가고 싶습니다. 청소년과 함께 작업하는 예술 방법은 젊은 세대가 자신을 발견하고 자신의 삶에 대한 창의적인 접근 방식으로 "감염"되도록 돕는 것이 중요합니다. 당신의 삶에 대해 예술적인 태도를 가질 수 있는 능력을 키우는 것은 삶을 더욱 다양하고 다면적으로 만들어주며 많은 즐거움을 가져다줍니다. 창작 과정에서 일부 예술 형식은 다른 예술 형식을 자극하고 영양을 공급하여 우리 삶의 핵심 에너지인 내적 의미와 본질로 인도합니다. 미적 활동을 개발함으로써 사람은 자신의 "나"를 찾고 다양한 감정과 사건으로 가득 찬 창의적이고 끊임없이 새로운 삶을 사는 전체적인 성격이됩니다..253-280.